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Die vierköpfige Architekten-Kollaboration – allesamt Absolventen der Städelschule in Frankfurt Main und nun in Amsterdam bei UNStudio unterwegs – sind gerade dabei die Ausstellungsräume der Galerie PROGRAM in Berlin mit künstlichem Licht zu variieren und zu erweitern.

Von meinem Platz, im 50 qm-großen Hinterzimmer der Galerie, kann man zuweilen künstliche Nebelschwaden und scheinbar körperdurchschneidende Laserstrahlen sehen. Die Fenster der Galerie sind abgedunkelt und reinkommen wird man ab Samstag wohl nur durch den Hintereingang. Wer kommt, wird mit kleinen Forderflächenspiegeln  die vier verschiedenen Stadien des Trauerns – eben shock, control, regression, adaption – beeinflussen und verändern können.

Wieso ich das alles weiß? Die kommenden Wochen unterstütze ich die gemeinnützige Plattform “PROGRAM – initiative for art and architecture collaborations” in Berlin und begleite (mit Pressekontakten, Bier, aufräumen, reden und rauchen) unter anderem dieses Projekt. Es kommt noch mehr und irgendwann wieder weniger, dann sag ich bescheid.

Laserdisaster. Ich glaube es wird verrückt.

Nachdem ich das Video “Sound Sculptures & Installations” des Schweizer Künstlers Zimoun für zwei Minuten gesehen hatte, schloss ich meine Augen. 50 kleine Motoren, akkurat aufgehängt an drei Wänden, erzeugten eine Klangkulisse, die so täuschend echt an prasselnden Regen heranreichte, dass sie mich kurz ins Träumen versetzte.

Doch in dem Moment, in dem ich mir über mein Wegtreten bewusst wurde, schrak ich auf: 50 ‘künstliche‘ Motoren simulieren ‘orgainsches‘ Regenwasser so perfekt, dass ich sogar zu Träumen anfange? Das fühlt sich noch immer ein wenig falsch an. Beinahe unheimlich. Als wären Technik und Natur eine unheilvolle Verbindung eingegangen.

Es ist dieses Spiel mit vertrauten – ja, fast liebgewonnenen – Geräuschen und dem Fakt, dass diese von sichtbar (!) künstlichen Apparaten erzeugt werden, der Zimouns Arbeit so überzeugend macht. Tagtäglich leben wir mit ‘unorganischen’ Geräuschen und Tönen, so dass wir aufgehört haben, deren Herkunft zu hinterfragen. Zimouns Werk ist keinesfalls wertend, doch seine verspielten Apparate machen den Eingriff der Technik in unsere persönliche Sinnesumwelt noch einmal ganz deutlich.

(Video via)

Ich weiß nicht, ob es an der sphärische Soundkulisse oder an dem meditativen ‘Tröpfeln’ und Pulsieren der kleinen LEDs liegt, aber es fällt mir gerade unglaublich schwer mich von dem Video loszureißen.

Als ich beim durchblättern der neusten Ausgabe der ‘Wallpaper‘ auf die Bilder von Robin Friend gestoßen bin, wusste ich, dass ich sie umgehend bloggen wollte. Doch noch während ich eine Mail an den Fotografen aufsetzte, wurde ich ein wenig stutzig. Ich war dabei, wunderschöne, ruhige und nebelige Landschaftsaufnahmen zu veröffentlichen. Wieder einmal.

Warum kehre ich immer wieder zu solchen Aufnahmen zurück? Ist es einfach – vielleicht auf unerklärliche Weise – “mein Ding”? Noch während ich dem Gedanken nachhing, ertönte das leise Pling meines Mailaccounts. Friend hatte geantwortet. “Yeah by all means – publish away”.

Ich weiß nicht, wie oft ich die Bilder noch beim Verfassen dieses Textes angesehen habe. Ein Hin und Her zwischen Preview, Schreiben, Löschen und wieder Preview. Und irgendwo dazwischen ein Funken von dem, was es ist, das mich so fesselt.

In dem Beitrag zu Ferit Kuyas Fotoprojekt “City of Ambition” schrieb ich damals:

Nur schemenhaft kann man von dort die im Nebel versinkende Hochhäuser erkennen. Immer wieder stolpert der Blick über riesige Brückenkonstruktionen, die allmählich im grauen Dunst der Stadt verschwinden. Es ist mehr eine vage Ahnung, die wir so von der Metropole und ihren Ausmaßen bekommen: Was sich hinter dem kühlen Weiß abspielt, bleibt der eigenen Phantasie überlassen.

Es ist mein eigener Kopf – meine eigene Phantasie – die einen solchen Sog entwickelt. Das kleine Kino, dass bei jedem Betrachten die Vorhänge öffnet. Jedes Mal anders. Es gibt in diesen Bildern nichts, dass grob daherkommt und sagt: Sieh das! Das ist für mich etwa der Unterschied zur Fashionfotografie, die zwar ästhetisch aber meist plakativ ist.

Die Aussage des Künstlers findet ihren Weg auch so zu mir. Leise. Aber umso eindringlicher.

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Gerade habe ich auf Rebel:Art diese wunderbaren Arbeiten von Filippo Minelli gefunden. An verlassenen Orten bringt der Künstler nicht mehr an, als einen einfachen bunten Strich. Doch obwohl diese Intervention nur minimal erscheint, so ist sie in ihrer Wirkung doch unglaublich stark. Nicht umsonst stellt Minelli diese Arbeiten unter den Titel “Silence”: Im Kontrast zur Farbe (und ‘Lautstärke’) der Linien scheint die Stille der Orte ‘sichtbar’ zu werden.

In my work i usually explore what language is, and sometimes i play with meanings and locations. After years “talking” on walls and canvas i decided to start exploring a part of language i never looked at, which is silence. I started searching for places that are worth for this non-representation and this is what came out for now.

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Vor wenigen Tagen bin ich in einem kleinen Buchladen auf den wunderbaren Bildband “Oil” von Edward Burtynsky gestoßen. Es war der Beginn einer kleinen Entdeckungsreise quer durch die Arbeit des Künstlers.

Der Kanadische Fotograf schafft es, in seinen Landschaftsaufnahmen auf die großen Probleme unserer modernen Gesellschaft hinzuweisen, ohne dabei auch nur einmal ins Plakative abzurutschen. Er selbst sagt dazu:

“These images are meant as metaphors to the dilemma of our modern existence; they search for a dialogue between attraction and repulsion, seduction and fear. We are drawn by desire – a chance at good living, yet we are consciously or unconsciously aware that the world is suffering for our success. Our dependence on nature to provide the materials for our consumption and our concern for the health of our planet sets us into an uneasy contradiction.”

Weitere Bilder findet ihr nach dem Klick .

Vielen Dank an Edward Burtynsky, der mich die Bilder hier veröffentlichen ließ.
Image Courtesy Edward Burtynsky und Galerie Stephan Röpke, Köln.

“Jedes Mal, wenn ich eine groessere Reise antrete, mache ich mir vorher einen Plan; suche nach spannenden Orten; nach Herausforderungen. Und einmal angekommen wird alles wieder ueber den Haufen geworfen. Immer.”

Der Grund war (und ist…) eine Reise, die ich nach Argentinien unternommen habe. Und wieder habe ich mich von Anregungen fremder Reisender, spontanen Einfaellen und vielfaelltigen Eindrucken treiben lassen: Von einem wunderbaren Erlebnis zum anderen.

Wie ueberrascht war ich, als ich heute in der zweitgroessten Argentinischen Stadt Cordoba, im “Museo Provincial de Bellas Artes Caraffa” auf einen Kuenstler gestossen bin, der sich genau dieses besondere “Treibenlassen” zum Thema gemacht hat.

Auf einer Reise nach Amsterdam, haelt Lucas di Pascuale die vielen kleinen Eindrueke und Geschehnisse – jene Erlebnisse also, die jede Reise wirklich “einmalig” machen – in rasch gezeichnten Skizzen unter dem Titel “Taurrtiissttaa” fest.

“I travelled all over the city as if I were lost. For instance I looked for al place that somebody recommended, but many times without reaching my initial goal. Unable to find a site, other places caught my attention on the way. (…) The trips tended to be the moments when I conceived my work, but this time they also became the way to carry it out. The excusions formed the framework in which the work evolved.”

Das Museum praesentierte dieses Erinnerungs- (oder vielleicht besser: Ereigniss-?) Potpourri ungeordnet an einer grossen Wand. Jede weitere Zeichnung; jedes neue Fragment, liessen die Erinnerungen des Kuenstler und damit das ganz persoenliche Bild einer Stadt, lebendig werden. Nicht durch ihre einzelne Qualitaet oder Originalitaet “funktionierten” die Bilder, sondern einzig in ihrem Zusammenspiel. Aber dafuer dann richtig.

Waere die Museumswaerterin nicht so aufdringlich gewesen – ich haette einige Zeit mehr vor den Bildern verbringen koennen.

Entdeckt habe ich ihn ganz zufällig in Paris…das niederländische Konsulat hat seine Fotos ausgestellt – für sage und schreibe 15 Euro Eintritt. Wenn es draussen nicht so dermaßen geregnet hätte, wären wir wahrscheinlich nicht rein gegangen – doch, zum Glück!

Darf ich vorstellen: Erwin Olaf, geboren 1959 in Hilversum, Niederlande.
Begnadeter Photograph und Pedant.

  I Wish                                             I Am                                            I Will Be

Bekannt geworden ist er durch seine sehr exakten,  detailgenau geplanten und völlig perfekten Fotos. Seine Fotoserien sind wie ein Tagebuch: in den 50er Jahren hat er viel zum Thema Sexualität photographiert (er musste sich seiner Homosexualität durch Bilder annähern). Später widmete er sich dann dem Shoppingwahn der Gesellschaft, ganz nach dem Moto “Overshopped and Underfucked”. In der Ausstellung in Paris habe ich drei seiner Fotoserien gesehen, unter anderem  ”Grief” -

und “Hope”.

Erwin Olaf hat mittlerweile auch das Medium Film für sich entdeckt. 2006 hat er den Kurzfilm “Le derniere Cri” gedreht, eine ungaublich grausame Parodie auf den Schönheitswahn der Menschheit…und die Zukunft der Hausfrauen. Völlig abgedreht (im Netz konnte ich keine Version finden, also ab in die nächste Ausstellung). Lassen wir dem Künstler die letzen Worte…. (das Englisch ist grausam, einfach überhören).